In depth…Dieter Balzer

Balzers work are both colourful and playful, but have a geometric precion mirroring that of calculated engineering. Playing within the confines of two – and three-dimensionality and positive and negative space using materials such as wood and foil, his works presents the viewer a sculptural dialogue on space and form.

Balzer is inspired by various art historical movements, especially credited Constructivism and Minimalism, which is apparent in the forms of his works.

Dieter Balzer was born in Neuhofen/Pfalz, Germany in 1958 and attended the University of Heidelberg, College of Art in Chesterfield, England, and Statens Hogskole, in Bergen Norway. His work has been included in exhibitions throughout Germany and abroad, including at the Museum der Wahrnehmung in Graz, Austria, Wilhelm-Hack Museum, in Ludwigshafen, Germany and the Museum Ritter in Waldenbuch, Germany.

Dieter Balzer currently lives and works in Berlin.

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Las obras de Balzer son coloridas y juguetonas, pero tienen una presión geométrica que se basa en la ingeniería calculada. Jugar en los confines de dos – tridimensionalidad y el espacio positivo y negativo utilizando materiales como la madera y el papel, sus obras presentan al espectador un diálogo escultórico sobre el espacio y la forma.

Sus obras están inspiradas en los movimientos históricos diferentes de arte, especialmente acreditado el constructivismo y el minimalismo, lo cual es evidente en las formas de sus obras.

Dieter Balzer nació en Neuhofen / Pfalz, Alemania en 1958 y estudió en la Universidad de Heidelberg, College of Art de Chesterfield, Inglaterra y Statens høgskole, en Bergen Noruega. Su obra ha sido incluida en exposiciones en toda Alemania y en el extranjero, incluso en el Museum der Wahrnehmung en Graz, Austria, Wilhelm-Hack Museum, en Ludwigshafen, Alemania y el Museo Ritter en Waldenbuch, Alemania.

Dieter Balzer Actualmente vive y trabaja en Berlín y sus obras puedes entrarlas en nuestra galeria, JanKossen.

The Chrysanthemum & The Sword

A master of traditional of Japanese painting, Hiroomi Ito belongs to a small group of Japanese artists who produce not only their own pigments but the rice paper upon which the artwork is painted on as well.

In his first solo show, Ito examines the schism of the present-day Japanese psyche; refusal to accept one’s cultural heritage; and whether the fusion between traditional and modern has indeed resulted in a loss of “….the pride of being Japanese”.

The first impression of Ito’s work is that of classical painting. The artist employs materials and techniques reminiscent of the style of ancient Japan. Ito’s subject matter, however, is in fact quite contemporary ; the artist looks at modern society’s erosion of the family structure -the backbone of Japanese culture- along with the pride associated with belonging to an old culture.

Hiroomi Ito

In his series “Unlimited Desire”, Ito uses symbolism in his compositions. Inspired by European 15th century still life paintings, Ito depicts dishes typically found in Asia, as a reference to both devotional and secular images. The paintings communicate the family head – or “lord of the home”-  as an individual who is healthy, wealthy, and possesses the strength to protect the family from ill environmental influences.

The gold represents the wealth of the owner, or “master of the home”. The steam generated by the cooking fire, signifies the passion for life, and  the strength to deliver “food on the table” – to provide well for the home. The choice of seafood symbolically demonstrates how the “master” has taste and is well educated, with the ability to make wise choices on behalf of the family.

Born in Japan, Hiroomi Ito now lives and works in Barcelona, Spain.

Artnet Asks: Troy Simmons

Nature and Brutalism influence the tactile works of Troy Simmons, who appropriates tools and materials commonly used in construction projects. His mixed-media pieces are subjected to deconstructive processes in the artist’s attempt to grapple with the relationship between uninhibited nature and urban order. Simmons will be exhibiting next at Art Paris with JanKossen Contemporary.

When did you know you wanted to be an artist?
Childhood explorations, through the woods of East Texas, exposed me to the unique characteristics of a plant called Berchemia Scandens. It wraps itself around nearby objects, while trying to reach sunlight, strangling its host to the point of destruction. The plant is usually chopped and destroyed to control its widespread growth. After bringing a few cut pieces back to my home in Houston, my mind was filled with thoughts of this plant growing free and uncontrolled in an urban environment. The juxtaposition of concrete, metal, and wood, harmonizing while competing for space, pushed me to become an artist.

Do you have a motto for yourself or your artistic process?
I’m not sure if I’d considered this my motto, but a hammer is my paintbrush and Home Depot is my art supply store. To be more specific, I repurpose construction products to execute my ideas.

I work with a wide variety of materials and tools: chisels, lasers, levels, upholstery tools, auto paint, acrylics, resin, and aluminum, to name a few. I enjoy learning and experimenting with different materials, stretching the limits of their intended use.

Describe your creative process. What kinds of patterns, routines, or rituals do you have?
I approach each piece like a construction project. I create sketches, 3D renderings, and detail drawings before physically starting a piece. The framing and structural parts of my work have to be precisely engineered. After laying the concrete, I begin the process of deconstruction. Sometimes, I’ll drop the piece, allowing the characteristics of concrete to freely take over. I then use hammers, chisels, and drills to sculpt the concrete into the desired form. I’m a night dweller, so most of my ideas usually come while most are sleeping. Midnight is the peak of my creative day, constructing frames and mixing concrete. I usually listen to a musician by the name of Pantha Du Prince while I work.

Troy Simmons

Troy Simmons Cement, Aluminum, Acrylic 54 x 44 x 3.5 inches

Troy Simmons Cement, Acrylic, Aluminum 36x36x3 Inches

Do you ever experience artist’s block? What do you do to overcome it?
Fortunately, I have not truly experienced artist’s block so far. Most of my pieces take from two to six months to complete. So, I usually have more of a problem deciding which ideas I want to bring to life. To overcome this, I try to create pieces that fit a specific space or location I’ve seen or visited in the past.

If you could own any artwork, what would it be and why?
If space was no issue, I would love to own the Yugoslav World War II monument located in Tjentiste, Bosnia. I love the precise, yet free-formed characteristics of the piece.

If you could have dinner with any three artists, living or dead, who would you choose?
I’m most influenced by architects (artists) from the Brutalism movement of the 1950s and 1960s. I spent time exploring southern Germany and toured a church called Feldbergkirche (Feldberg Church) by architect Rainer Disse. That was my first experience with postwar modern Brutalism. I was intrigued by the large geometric shapes, created entirely with board-formed concrete. The hard, straight lines of the structure, surrounded by the Black Forest seemed paradoxical but harmonious. I’d also love to sit down with Charles-Édouard Jeanneret,Richard Neutra, and the Croatian sculptor Vojin Bakić.

If you weren’t an artist, what do you think you would be doing?
Although nature was the driving force behind my art, it also guided me into the environmental science field. I worked as a lab technician for a water treatment company for three years before giving in to a more creative line of work. Not truly understanding the art world or what it had to offer, I pursued a degree in architecture. I worked as an architectural designer for a residential design/build firm in Oklahoma City until the economy crashed in 2008. These fields of work were just catalysts to help feed my creativity, so it’s hard to imagine my life without art.

How do you decide what to title your works?
Most of my titles are drawn from the inspiration behind the piece. My surroundings and experiences influence the naming of each piece. Everything from a weed growing through a crack in the sidewalk to the people in the isles of the local grocery store, all play a part in the inspiration and title of my work.

 

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Troy Simmons basa sus obras en Naturaleza y brutalismo. Para ello se apropia de herramientas y materiales de uso común en los proyectos de construcción. Sus piezas de técnica mixta son sometidas a procesos deconstructivas en el intento del artista que lidiar con la relación entre la naturaleza desinhibida y orden urbano. Simmons estará presente junto a Art París con JanKossen Contemporáneo.

Tras la entrevista realizada por Artnet hemos podido conocer más en profundidad al artista.

¿Cuándo supiste que querías ser un artista?

Exploraciones de la niñez, a través de los bosques del este de Texas, me expusieron a las características únicas de una planta llamada Berchemia Scandens. Se envuelve alrededor de los objetos cercanos, mientras trataba de llegar a la luz del sol, que estrangula su huésped hasta el punto de la destrucción. La planta está generalmente picado y destruyó para controlar su crecimiento generalizado. Después de traer un par de piezas cortadas de vuelta a mi casa en Houston, mi mente estaba llena de pensamientos de esta planta que crece libre y sin control en un entorno urbano. La yuxtaposición de hormigón, metal y madera, armonizando mientras compiten por el espacio, me empujó a convertirse en un artista.

¿Tienes un lema para usted o su proceso artístico?

No estoy seguro de si me hubiera considerado esta mi lema, sino un martillo es mi pincel y Home Depot es mi tienda de arte. Para ser más específicos, que reutilizar los productos de construcción para la ejecución de mis ideas.

Yo trabajo con una amplia variedad de materiales y herramientas: cinceles, rayos láser, niveles, herramientas de tapicería, pintura de automóviles, acrílicos, resina y aluminio, por nombrar algunos. Disfruto aprendiendo y experimentando con diferentes materiales, que se extiende de los límites de su uso previsto.

Describa su proceso creativo. ¿Qué tipo de patrones, rutinas o rituales tienes?

Me acerco a cada pieza como un proyecto de construcción. Puedo crear bocetos, renders 3D y planos de detalle antes de comenzar físicamente una pieza. El encuadre y partes estructurales de mi trabajo tiene que ser diseñado con precisión. Después de poner el concreto, empiezo el proceso de deconstrucción. A veces, voy a soltar la pieza, permitiendo que las características del hormigón para tomar libremente sobre. Luego utilizo martillos, cinceles y taladros para esculpir el hormigón en la forma deseada. Soy un habitante de la noche, así que la mayoría de mis ideas suelen venir mientras que la mayoría están durmiendo. Medianoche es el pico de mi día creativo, la construcción de marcos y mezcla de concreto. Yo suelo escuchar a un músico con el nombre de Pantha Du Prince mientras trabajo. 

¿Alguna vez se experimenta bloque del artista? ¿Qué hacer para superarlo?

Afortunadamente, no he experimentado verdaderamente bloque del artista hasta el momento. La mayoría de mis piezas toman de dos a seis meses. Así que, por lo general tienen más de un problema de decidir qué ideas Quiero traer a la vida. Para superar esto, trato de crear piezas que encajan un espacio o lugar que he visto o visitado en el pasado específico.

¿Si pudieras poseer cualquier obra de arte, ¿cuál sería y por qué?

Si el espacio no fue ningún problema, me encantaría poseer el Yugoslava monumento de la Segunda Guerra Mundial se encuentra en Tjentište, Bosnia. Me encantan las características precisas, sin embargo gratuitas formado de la pieza.

¿Si pudieras cenar con cualquiera de los tres artistas, vivos o muertos, a quién elegirías?

Estoy más influenciado por los arquitectos (artistas) del movimiento brutalismo de los años 1950 y 1960. Pasé tiempo a explorar el sur de Alemania y recorrí una iglesia llamada Feldbergkirche (Iglesia Feldberg) por el arquitecto Rainer Disse. Esa fue mi primera experiencia con brutalismo moderna de posguerra. Yo estaba intrigado por las grandes formas geométricas, creados enteramente con hormigón tablero-formado. Las líneas duras, rectas de la estructura, rodeada por el Bosque Negro parecía paradójico, pero armonioso. También me encantaría sentarme con Charles-Édouard Jeanneret, Richard Neutra, y el escultor croata Vojin Bakić. 

Si no fueras un artista, ¿qué crees que estarías haciendo?

Aunque la naturaleza fue la fuerza impulsora detrás de mi arte, sino que también me guió en el campo de las ciencias ambientales. He trabajado como técnico de laboratorio para una empresa de tratamiento de agua durante tres años antes de ceder a una línea más creativa de la obra. No realmente entender el mundo del arte o lo que tenía que ofrecer, seguí una licenciatura en arquitectura. Trabajé como diseñador arquitectónico para una empresa de diseño / construcción residencial en la ciudad de Oklahoma hasta que la economía se estrelló en 2008. Estos campos de trabajo eran sólo catalizadores para ayudar a alimentar a mi creatividad, por lo que es difícil de imaginar mi vida sin el arte. 

¿Cómo se decide qué título de tus obras?

La mayoría de mis títulos se han extraído de la inspiración detrás de la pieza. Mi entorno y experiencias influyen en la nomenclatura de cada pieza. Todo, desde una mala hierba que crece a través de una grieta en la acera a las personas en las islas de la tienda de comestibles, todos juegan un papel en la inspiración y el título de mi trabajo.

Jasmin Kossenjans on Being Passionate About the Art She Sells

Jasmin Kossenjans, gallery owner, JanKossen Contemporary

Gallery owner Jasmin Kossenjans is a storyteller with a love for unique and passionate art production. Her gallery, JanKossen Contemporary, recently exhibited at Art Paris and is currently hosting a solo show (May 7–June 6) for artist Troy Simmons. This summer, the gallery will take part in Art Southampton, as well as launch its new Fresh! initiative featuring new and emerging artists.

Troy Simmons, installation view, Durchbruch (2014). Courtesy of JanKossen Contemporary.

How did Jan Kossen Contemporary start?
I started all this about 10 years ago, but in an off-space, more as a consultant. I speak Cantonese fluently, so I used to bring collector groups to China and visit the artists in their studios. That’s more or less where the seed was planted. The artists wanted to show with a gallery they could trust, but they couldn’t find one. It’s a problem over there and in the Middle East, especially Pakistan, because the whole idea of what a gallery is and what a gallery does is a new concept. I started my gallery in 2009, and began showing artists who could not show at home, since there was not a large audience.

How do you choose which artists to represent?
I never sell art that I don’t love, or that I wouldn’t have in my own personal collection. The way I select artists is not only by their production process and originality, but by their passion. Otherwise how do you expect me to be passionate? I know there is staying power if the artist is passionate. I don’t care how good an artwork is—I want them to care about their work and I want to hear the story behind what they are creating. I’m a storyteller. I like hearing people’s stories and knowing the background information. I also don’t do photography because I like unique artwork. I don’t like editions. I like the artists who get their hands dirty, who think about the composition and the materials.

Have you ever been sorry to see a work go?
There was this one particular situation—actually I was crying. I had the piece hanging in my living room. It was worth about $50,000 on the marketplace, and my husband said the artist would probably like me to sell it. But I really wanted to keep it. The work is by Korean artist Suh Jeong Min, and it has to do with spiritual Buddhism. It is blessed by a monk, and when it’s in a home it blesses the family. In the end, I turned down people who wanted to buy it because I thought they were buying it for the wrong reasons. They were asking the wrong questions, you know about percentages and price increases in the past year. In the end, I sent it to a woman I interviewed a few times. She genuinely appreciated the art. I feel like I’m losing my children when I sell a work of art because I have a relationship with both the artwork and the artist

Suh Jeong Min, Lines of Travel XXII (2014). Courtesy of JanKossen Contemporary.

Have you always known this is what you’ve wanted to do?
No, it’s not really a job promoted to students at the university level. If I could turn back the clock though, something else I wouldn’t have minded doing is restoring art. But I’m too old to do that now. I was actually kind of lost at one point. I speak five languages and I’m good at business, but I get bored extremely easily. I was in the hotel business for a while, and then I decided to do freelance at a translating agency. Through that, I worked at a lot of art fairs, and at Cologne, which is when I fell in love with the whole thing. I love the village atmosphere, and I always try to introduce myself to my neighbors. You see some of those people more than your real family. They’re my second family.

How was your first art fair experience?
It was probably the first and last time in my life when I sold at an opening. I was in Istanbul, and I kid you not, it wasn’t even 10 minutes and someone walked in and bought five artworks. But it never happened again! It was a motivating experience that I look back on very fondly.

What hobbies do you have outside the art world?
I love coming back home to Basel. I live in an area where I can walk out and be in the fields in two minutes. I like nature. I’m very happy to just be in New York when I need to be, and then I escape back to my sanctuary. I like homey stuff, like cooking, because I travel so much. I have Art Paris coming up, then Art Basel in June, Hamptons probably in July, maybe Istanbul in November. The Delta people know my name. When you start recognizing flight personnel, you know you travel a lot. I need my roots, since I was brought up without them. I was born in Hong Kong, but I’m German. I lived in Singapore, Sydney, and now Switzerland. I’m trying really hard to avoid living in New York.

What are your greatest strengths and weaknesses?
I surprise myself with how quickly I can recover from a bad experience, such as investing in the wrong art fairs. In the face of disappointment, I have the ability to make sure other people can keep their motivation up. I also have to be a cheerleader for the artist and keep my emotions in check. The gallery business is an extreme sport. You need nerves of steel, and, at the end of the day, you have to be your own cheerleader. I had one year where I did one too many art fairs and I learned not to trust everything that I hear, especially from art organizers. I learned it the hard way that you need to have a strategy. Even if something seems very attractive to take part in, if it’s not part of my strategy, I won’t do it.

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Jasmin Kossenjans es una galerista apasionada del arte. Su galería, JanKossen Contemporary, recientemente exhibida en Art Paris y que además, actualmente acoge una exposición individual (7 mayo a 6 junio) del artista Troy Simmons. No solo eso, este verano, la galería participará en Art Southampton,  y además contara con el lanzamiento de FRESH! Una iniciativa que ofrece oportunidad a artistas emergentes.

JanKossen Contemporary  comenzó hace 10 años. Particularmente ella trabajaba como consultora para la galería. Gracias a que habla cantonés con fluidez, pudo traer grupos de colectores a China y visitar a los artistas en sus estudios. “Eso es más o menos donde se plantó la semilla” dice la galerista. Ella se dio cuenta de que  los artistas querían mostrar el valor de sus obras a través de una galería y eso bajo su punto de vista es un problema muy habitual en  Oriente Medio, especialmente Pakistán, porque la idea de lo que una galería es y lo que hace una galería es un nuevo concepto. Por esa razón, Kossenjans abrió su  galería en 2009, para dar una oportunidad a aquellos artistas que no pueden demostrar su arte ya que no abarcan un gran público.

La filosofía de esta galería se basa principalmente en sus gustos personales. La selección de las obras no se apoya únicamente en el artista, el proceso de producción y la originalidad, sino también le da una gran importancia a  la pasión intrínseca del artista. Lo que nos llevaría a pensar, ¿Qué se refiere con pasión? “Cuando hay pasión hay poder de permanencia, no me importa lo buena que puede llegar a ser la obra, lo que realmente aprecio es la forma de creación, como han llegado a lograrlo y sobre todo la historia que hay detrás de ella.” Dice Jasmin. Lo más importante es la historia y el trasfondo de cada obra. 

No solo eso, además la galerista tiene una relación muy estrecha con las obras y los artistas. En una ocasión, sintió mucho lo que supondría la venta de uno de sus obras favoritas ya que tenía un gran significado para ella.  Se trataba de una obra del artista coreano Jeong Min Suh que tenía que ver con el budismo espiritual. Establece relaciones tan estrechas y personales que cuando tiene que vender uno de sus cuadros es como si estuviera perdiendo lo que más quiere.

¿Siempre has sabido que esto es lo que has querido hacer? “no, en realidad nunca lo he tenido claro”. Durante su vida ha ido probando distintos campos ya que gracias a los cinco idiomas que habla y a su habilidad para los negocios ha tenido la oportunidad de poder experimentar en distintos ámbitos, que por supuesto, le han ido abriendo puertas. Además, es una persona con aficiones peculiares, le gusta la naturaleza y cuando puede trata de ir al campo que lo tiene a pocos minutos de su casa en Basilea. Para ella es su santuario. Desde siempre ha viajado mucho, dentro de poco tiene que asistir a  Art Paris, en Junio Art Basel, Los Hamptons probablemente en julio, tal vez Estambul en noviembre. Por eso ella necesita sus raíces, su hogar, aquello que le haga desconectar. “Nací en Hong Kong, pero  soy alemana. He vivido en Singapur, Sydney, y ahora Suiza. Y ahora mismo estoy  tratando de evitar vivir en Nueva York” asegura la galerista.

¿Cómo fue tu primera experiencia de la feria de arte? “Probablemente fue la primera y última vez en mi vida en que he vendido en una abertura”. La galerista estaba exponiendo las obras en Estambul  y a los diez minutos de abrir  entro una persona y compro cinco obras de arte de golpe. Según Jasmin eso nunca volvió a suceder. Para ella fue una experiencia motivadora que siempre recordara.

 Tras estas anchas y profundas pinceladas sobre la galerista Jasmin KossenJans, es importante mencionar que no solo nos explica su filosofía de vida y su forma de llevar su negocio sino también comparte sus  fortalezas y debilidades.  “Me sorprendo a mí misma con la rapidez con que puedo recuperarse de una mala experiencia, como la inversión en las ferias de arte equivocadas. En la cara de decepción, tengo la capacidad de hacer que otras personas pueden mantener su motivación para arriba. También tengo que ser una animadora para el artista y mantener mis emociones bajo control. El negocio de la galería es un deporte extremo. Usted necesita nervios de acero, y, al final del día, usted tiene que ser su propio animador. Yo tenía un año cuando lo hice demasiadas ferias de arte y he aprendido a no confiar en todo lo que he oído, en especial de los organizadores de arte. Lo aprendí de la manera difícil que es necesario tener una estrategia. Incluso si algo parece muy atractivo para tomar parte en, si no es parte de mi estrategia, no voy a hacerlo.”

…of the Venice Biennale

The Biennale is 120 years old and if it still has value as an exhibition then it is in the fact that it delivers, on an influential stage, successive and often conflicting perspectives on contemporary artistic practice and its relevance to the world in which we live. You might not agree with Enwezor’s vision of art and its utopian role in today’s world—I certainly don’t—but there is no denying the world today faces deep divisions and crises and an uncertain future. How those forces impact artists is worth exploring, I agree.

Venice Bienale 2015